Arte Archives - IL blog di Caterina

Manifesti, l’arte grafica nella Collezione Salce

12 Febbraio 202110 Febbraio 2021 by Caterina Andemme

⌈ Lego allo Stato Italiano, rappresentato dal Ministero della Pubblica istruzione, la mia collezione di manifesti pubblicitari raccolti durante un settantennio, esistenti tutti e soltanto nei solai della mia casa In Borgo Mazzini 48, in Treviso…..

Dal lascito testamentario di Ferdinando Salce – 12 settembre 1962 ⌋

Manifesti, che passione

Bisogna avere tanto spazio per raccogliere 25.000 manifesti pubblicitari e Fernando (Nando) Salce di spazio ne doveva avere tanto nella sua casa di Treviso ove, manifesto su manifesto, anno dopo anno, aveva arricchito la sua collezione. fino al giorno della sua morte avvenuta nel settembre del 1962.

Nato a Treviso il 22 marzo 1877 in una famiglia benestante (suo padre commerciava in tessuti, lui stesso ragioniere, iniziò la sua passione per i manifesti all’età di diciotto anni, quando a Venezia, in un giorno d’inverno (e Venezia può essere molto triste d’inverno), il suo umore cambiò alla vista del manifesto di Giovanni Maria Mataloni per il Brevetto Auer Incandescenza a Gas

Esistono due tipi di collezionisti: quelli che custodiscono gelosamente gli oggetti della propria raccolta e non la mostrano a nessuno se non a pochi intimi e quelli che, al contrario, provano il piacere nel condividere la propria passione e Fernando Salce senza ombra di dubbio apparteneva a questa seconda categoria di collezionisti.

Infatti lui accoglieva nella sua casa chiunque fosse interessato all’arte grafica dei manifesti (in maniera gratuita e, si dice, offrendo a gli ospiti bevande contro la calura estiva).

La nuova casa per la Collezione Salce

Venticinquemila manifesti, raccolti in più di cinquant’anni, dopo il lascito di Fernando Salce ( e un’opportuna catalogazione) hanno trovato una sede definitiva nell’ex chiesa dedicata a santa Margherita in Treviso.

AVVISO

La nuova sede del museo presso l’ ex- chiesa di santa Margherita verrà aperta al pubblico alla fine del mese di marzo di quest’anno. In occasione dell’apertura sarà possibile visitare la mostra dedicata all’illustratore Renato Casaro. Per informazioni: [email protected]

Nel frattempo sul sito della Collezione Salce è possibile la visione dei manifesti della raccolta (in basso tre esempi)

Adolf Hohenstein (1900)

Orlando Orlandi – manifesto pubblicitario per i Pneumatici Pirelli

Orlando Orlandi (1921)

Il libro in anteprima

⌈ Una volta la pubblicità era arte. Prima che la radio e la televisione diventassero i mezzi principali per gli inserzionisti nella metà del XX secolo i manifesti dominavano il panorama pubblicitario in tutto il mondo. Bellissimi poster dipinti a mano sono stati creati da alcuni degli artisti più importanti del mondo: uomini come Alphonse Mucha e Jules Chéret hanno prodotto in serie migliaia di poster colorati, invitando i consumatori ad acquistare un’ampia varietà di beni e servizi, partecipare a eventi speciali o viaggiare in luoghi esotici.

La litografia, il processo di stampa che ha reso possibile la produzione in serie di poster, è stata inventata nel 1798, ma è stato solo nel 1880 che il processo è stato finalmente in grado di produrre poster in modo affidabile in modo rapido ed economico. Questa svolta è stata dovuta a un processo innovativo creato da Jules Chèret che ha permesso agli artisti di ottenere tutti i colori dell’arcobaleno. Gli artisti furono improvvisamente in grado di utilizzare la loro superba abilità artistica e la loro straordinaria maestria per creare, in maniera economica, splendide opere d’arte su manifesti di carta facendo nascere, quindi, una nuova forma d’arte, quella grafica delle affiche. ⌋

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♥ Alla prossima! Ciao, ciao….♥♥

Street Art oppure street art, ma è sempre arte

23 Settembre 2020 by Caterina Andemme

⌈ Street Art ovvero quel complesso di pratiche ed esperienze di espressione e comunicazione artistico – visuali che intervengono nella dimensione stradale e pubblica dello spazio urbano, originariamente provviste di una fisionomia alternativa, spontanea, effimera e giuridicamente illegale salvo poi essere, in una fase posteriore, parzialmente sanzionate e fatte proprie dalla cultura popolare di massa, dal mercato e dalle istituzioni, prospettiva che contribuisce a rendere molto problematica a oggi una puntuale individuazione del campo, che rimane estremamente liquido e aperto a molteplici visioni

Definizione tratta dall’Enciclopedia Treccani ⌋

Street Art o Cave Art

Molto prima che l’essere umano utilizzasse il linguaggio per comunicare in maniera intellegibile tra gli appartenenti a uno stesso gruppo (cosa che oggi si rischia di perdere per un uso smodato di emoticon e abbreviazioni di parole a uso chat), era l’immagine a trasmettere il concetto.

Sulle pareti delle grotte incominciarono ad apparire mani, figure antropomorfe e animali stilizzati a scopo propiziatorio o per culto magico (forse anche solo per divertimento, chi può dirlo?).

Altamira in Spagna e Lascaux in Francia sono tra i siti più conosciuti al mondo dove l’arte preistorica (o la preistoria dell’arte) è testimoniata da dipinti murali risalenti al 25.000 – 20.000 a.C.

Fare anche un semplice excursus dall’arte preistorica alla Street Art moderna è al di la di ogni mia competenza (e voglia), per cui prendete queste righe solo come introduzione ad una mostra in corso a Genova e a un tributo a quegli artisti sconosciuti che con la loro arte, oltre che lanciare un messaggio, rendono più piacevole alla vista quello che sarebbe solo un muro di cemento grigio.

Naturalmente da questa categoria di persone sono da escludere quelle che spacciandosi per graffitari sono semplici imbrattatori di muri.

Street Art in mostra a Genova: Shepard Fairey

Nel 2008 il volto di uno sconosciuto senatore americano viene rappresentato in un poster dal titolo Hope: una speranza democratica per il popolo americano dopo la governance repubblicana di George W. Bush: il senatore era Barack Obama, l’artista che lo ha ritratto in quel poster che presto diventerà un’icona mondiale è Shepard Fairey.

⌈ Lo stesso Obama, dopo essere stato eletto, ringrazierà l’artista con una lettera in cui si legge: Ho il privilegio di essere parte della tua opera d’arte e sono orgoglioso di avere il tuo sostegno⌋

Shepard Fairey nasce nel 1970 in South Carolina (precisamente il 15 febbraio 1970 a Charleston), a diciotto anni si diploma presso l’Accademia d’arte.

L’anno seguente realizza il progetto André The Giant has a posse (André the Giant era un campione di wrestler e la frase in slang significa André the Giant ha una banda): in pratica disseminò i muri della città con degli stickers (adesivi) riproducenti il volto dell’atleta che verranno poi replicati da altri artisti in altre città statunitensi.

Fairey precisò allora che la scelta del soggetto era casuale ma che il senso del progetto era quello di produrre un fenomeno mediatico.

In seguito il volto del wrestler venne riprodotto con la scritta Obey (Obbedisci) che in seguito divenne la firma di Shepard Fairey.

Nel 2010 Fairey appare anche nel documentario Exit through the gift shop diretto da Bansky (è inutile dirvi chi sia..)

Obey fidelity. The Art of Shepard Farey

Obey fidelity. The Art of Shepard è il titolo della mostra che il Palazzo Ducale di Genova ospita fino al 1 novembre prossimo.

Nelle sale del Sottoporticato di Palazzo Ducale, oltre alla celebre opera Hope, saranno presenti altre opere divise in quattro temi: l’ambiente; la donna vista come soggetto di emancipazione; il potere come antagonismo e infine la cultura.

⇒ Tutte le informazioni riguardante la mostra nella pagina della Fondazione Palazzo Ducale ⇐

La Street Art degli artisti sconosciuti

Le due piccole gallerie fotografiche che seguono sono un mio personale omaggio a tutti quegli artisti di strada che colorano l’ambiente urbano con le loro opere.

Non saranno mai famosi (ma chi può dirlo) ma senz’altro esprimono un sentimento.

La prima galleria riguarda opere realizzate sulla ciclopedonale che collega Arenzano con il paese di Cogoleto, mentre la seconda sono opere realizzate ad Ariano Irpino in provincia di Avellino (cliccare sulle immagini per ingrandirle)

Arenzano

Ariano Irpino

Il libro in anteprima

Comprendere cosa sia la Street Art a volte può essere difficile, per questo Patrizia Mania, Raffaella Petrilli e Elisabetta Cristallini hanno scritto insieme Arte sui muri delle città un’utile guida per comprenderne il significato artistico.

⌈ La Street Art e la Urban Art sono fenomeni attuali sia per il forte impatto sociale e culturale che producono, sia per i problemi che suscitano sul piano estetico ed artistico.

In Italia, alcuni eventi recenti – opere di Street Art e di Urban Art censurate, cancellate o maldestramente “strappate” dal supporto originario per essere esposte in mostre, gallerie e musei – hanno riacceso il dibattito intorno alla questione della loro eventuale conservazione e musealizzazione.

Con il proposito di attivare una riflessione su questi ed altri aspetti controversi di una pratica artistica che sta determinando nuovi paesaggi urbani, si è svolta all’Università della Tuscia nell’autunno del 2016 una giornata di studi nella quale si è presentata un’analisi ad ampio raggio degli aspetti semiologici, giuridici, estetici, storico-artistici.

Del vasto orizzonte indagato negli interventi di docenti universitari, esperti del settore e giovani studiosi, questo volume restituisce la plurale complessità.⌋

ALTRI SCRITTI

⇒ Vivian Maier, la riservatezza di una fotografa di strada

⇒ Edward Hopper, malinconica solitudine

⇒ Il pane e l’artista: Maria Lai

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Edward Hopper, malinconica solitudine

26 Marzo 2020 by Caterina Andemme

Edward Hopper l’illustratore delle solitudini

Quando scrissi l’articolo sulla nascita dell’algoritmo di compressione mp3 e di come per la campionatura venne utilizzato la canzone Tom’s Diner della cantautrice Suzanne Vega ( ⇒ MP3 contro Alta fedeltà (ma sempre a pagamento) ⇐) cercavo un immagine che desse l’idea della malinconica solitudine di una donna seduta al tavolino di una tavola calda in una fredda mattina di pioggia.

Edward Hopper mi venne in aiuto con la sua opera Automat, dipinta nel 1927 in occasione del giorno di San Valentino ed esposta durante la seconda esposizione personale del pittore presso la Rehn Galleries di New York (quadro venduto nel mese di aprile dello stesso anno per 1.200 dollari).

Chi invece è stato ispirato direttamente dalle tele di Hopper per elaborare delle liriche fu il poeta di origine canadese, saggista e traduttore, nonché vincitore del premio Pulitzer, Mark Strand (Summerside 11 aprile 1934 – New York, 29 novembre 2014) il quale, attraverso le sue parole, aiuta il lettore a entrare metaforicamente nei quadri del pittore vivendone quella malinconica solitudine di cui ho accennato prima.

Da questa performance del poeta è stato pubblicato il libro Edward Hopper. Un poeta legge un pittore (anteprima alla fine dell’articolo)

Edward Hopper, una biografia breve, anzi brevissima

Edward Hopper (Nyack, 22 luglio 1882 – New York, 15 maggio 1967) ebbe la fortuna di avere genitori molto aperti riguardo al futuro del proprio figlio, infatti, pur essendo titolari di un negozio di tessuti con ottima clientela, scoprendo che Edward sin da bambino aveva una spiccata attitudine nel disegno, lo incoraggiarono a proseguire su questa strada.

Nel 1900, all’età di diciotto anni, frequenta la New York School of Art diretta da un seguace dell’impressionismo europeo e cioè William Merritt Chase.

Fu lo stesso Chase a farlo incontrare con il titolare del corso di pittura Robert Henri, sostenitore del realismo e figura importante della Ashcan School ,

Nel 1906 Hopper arriva a Parigi restandovi due anni, dopodiché, affascinato dalle opere degli impressionisti e dei poeti simbolisti, partecipa alla sua prima mostra collettiva organizzata da Robert Henri nell’Upper East Side di Manhattan.

I critici furono molto severi con lui non prendendo in considerazione il suo dipinto, per tanto e per poter sopravvivere, si impiegò in qualità di illustratore pubblicitario presso la C.C. Phillips & Company fino al 1925, non amando questo tipo di lavoro, in un’intervista rilasciata dieci anni dopo al quotidiano New York Post, dichiarò che.

⌈ Sono stato sempre molto attratto dall’architettura, ma i direttori dei giornali vogliono solo gente che muova le braccia⌋

Fu un appassionato francofilo e, complice il fatto di aver soggiornato più volte a Parigi e di riuscire a parlare molto bene il francese, lesse i classici in lingua originale ma è ritornando negli Stati Unti che iniziò a elaborare il suo particolare stile nelle immagini urbane di un’America quotidiana fatta di binari delle ferrovie, case coloniche, distributori di benzina, drugstore, negozi con vetrine illuminate, camere dove compaiono al massimo due figure: il tutto in un’atmosfera che in molti (compresa me) giudicano metafisica e che altri si spingono a considerarla come precursore della Pop art

Il suo successo, comunque, arrivò nel 1924, quando alcuni suoi acquarelli esposti a Gloucester nella galleria di Frank Rehn ebbero un deciso successo di critica e pubblico.

Nello stesso anno un’altra soddisfazione si aggiunse alla precedente, questa volta si trattò però di soddisfazione sentimentale in quanto sposò Josephine Verstille Nivison , anch’essa allieva di Robert Henri e pittrice che si firmava con lo pseudonimo di Jo Hopper, la quale divenne l’unica modella che Edward Hopper utilizzò per ritrarre i personaggi femminili dei suoi quadri.

Da questo punto in poi è una continua ascesa verso il successo, tanto da avere i suoi quadri facenti parte di collezioni permanenti come, ad esempio, al MoMa di New York.

Edward hopper morì all’età di 84 anni nel suo studio al centro di New York

Un quadro per il regista

Edward Hopper- House by the railroad (1925)

La casa dipinta nel 1925 da Edward Hopper servì ad Alfred Hitchcock come modello della casa maledetta nel film Psyco (ho scritto del film e del suo regista in questo articolo ⇒ Alfred Hitchcock: da Psycho a Genova in mostra ⇐).

Lo stesso quadro venne donata dal collezionista Stephen C.Clark al MoMa di New York.

Anteprima del libro Edward Hopper. Un poeta legge un pittore

Ricordandovi che la mostra Edward Hopper. Uno sguardo nuovo sul paesaggio presso la Fondation Beyeler di Basilea è stata anticipatamente chiusa per via dell’emergenza coronavirus, concludo questo articolo con l’anteprima del libro di Mark Strand

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Isadora Duncan: seguendo il ritmo delle onde

9 Marzo 202013 Gennaio 2020 by Caterina Andemme

Sono nata in riva al mare.

la prima idea del movimento e della danza mi è venuta di sicuro dal ritmo delle onde

Isadora Duncan

Isadora Duncan, una vita per la danza

Isadora Duncan (san Francisco, 27 maggio 1877 – Nizza, 14 settembre 1927) aveva cinquant’anni quando il 14 settembre 1927, a Nizza, l’ineluttabilità del destino l’attendeva portandole via la vita in un incidente banalmente assurdo.

Aveva preso posto nella decapottabile guidata dal pilota francese di auto da corsa Vincent BenoÎt Falchetto, suo amante, per dirigersi verso l’albergo che l’ospitava: il destino, che a volte nel dramma può anche assumere contorni assurdi, volle che la lunga sciarpa che indossava andò impigliandosi nei raggi della ruota dell’auto strangolandola.

E dire che il destino era già stato crudele con lei quattordici anni prima che lei morisse cioè quando annegarono nella Senna insieme alla bambinaia i suoi due figli Deirdre e Patrick, rispettivamente di 7 e 3 anni avuti dal matrimonio con Paris Singer (figlio del fondatore dell’industria omonima per macchine da cucire)

Lei che era nata per danzare ebbe l’intuito di rompere ogni formalismo nella danza classica, rinunciando a quelli che per lei erano inutili orpelli quali scarpette a punta e quindi indossando costumi di scena che richiamavano alla mente le danzatrici dell’antica Grecia: questo per dare maggiore libertà ed espressività ai movimenti del corpo.

All’inizio questa sua idea di danza, precursore della danza moderna, non ebbe fortuna negli Stati Uniti e dovette aspettare il 1900, quando si esibì per la prima volta a Londra, per ottenere l’inizio di una lunga serie di successi.

A Parigi ebbe modo di diventare amica di LoÏe Fuller sua connazionale la quale, inventando la serpentine dance, a suo modo aveva portato alla danza nuove forme scenografiche (ne ho scritto in questo post)

Mettendo in primo piano il suo corpo a servizio della danza, inevitabilmente Isadora Duncan oltre ai giudizi favorevoli, ebbe nel pubblico meno propenso al modernismo artistico della ballerina altri giudizi decisamente meno lusinghieri.

Lo stesso futurista Filippo Tommaso Marinetti definì la danza di Isadora Duncan come erotismo da cortigiana (ma è nota quanto fosse grande la misoginia di Marinetti)

Il declino

A seguito di profondi dispiaceri, tra i quali un figlio morto alla nascita avuto dopo una fugace relazione con un giovane artista italiano e il divorzio dal poeta Sergej Esenin (che si suicidò due anni dopo), Isadora incominciò a lasciarsi andare finché la sua figura appesantita non divenne oggetto dei lazzi di critici incuranti dei drammi della donna.

Negli ultimi anni di vita, trascorsi tra Nizza e Parigi, le erano rimasti accanto solo pochi amici che ebbero cura di lei nei momenti di maggiore difficoltà.

La mostra

Presso il Mart di Rovereto e fino al prossimo 1 marzo si può visitare la mostra Danzare la rivoluzione – Isadora Duncan e le arti figurative in Italia tra Ottocento e Novecento.

La mostra, voluta fermamente dal presidente del Mart Vittorio Sgarbi, ospita 170 opere che esaltano il corpo femminile in pitture e sculture nella rappresentazione dell’ideale di bellezza riconducibili all’arte di Isadora Duncan.

Nel box seguente potete trovare maggiori informazioni sulla mostra oltre agli orari e prezzo dei biglietti d’ingresso.

Isadora_Duncan_CS

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Architettura (d’antan) al femminile: Plautilla Bricci

9 Gennaio 2020 by Caterina Andemme

***Plautilla Bricci, prospetto occidentale di Villa Benedetta (detta Il vascello) Roma 1663 (Archivio di Stato)***

Chi progetta sa di aver raggiunto la perfezione non quando non ha più nulla da aggiungere ma quando non gli resta più nulla da togliere

Antoine de Saint – Exupery

Architettura per soli uomini e per poche donne

In un’intervista vecchia ormai di quasi sette anni, Zaha Hadid parlando della sua professione disse queste parole:

La gente sottovaluta quanto l’architettura sia una professione difficile perché richiede orari lunghi e un impegno assoluto.

Proseguendo nell’intervista lei disse che una donna difficilmente poteva fare carriera in architettura, se si trovava nella condizione di dover pensare nel contempo alla famiglia e, eventualmente ce ne fossero, alla cura di figli.

Ovviamente le difficoltà di cui accennava l’archistar sono le stesse che una donna può incontrare in qualunque ambito lavorativo.

Architetto o architetta?

Confesso che avuto qualche dubbio se scrivere architetto oppure architetta: una visita al sito architetti.com mi ha confermato che non è sbagliato scrivere architetta e che il problema non è nella vocale finale quanto piuttosto nell’incompatibilità dei tempi richiesti dalla professione con la vita familiare e la maternità (si ripetono le parole di Zaha Hadid) oltre al fatto di essere pagate di meno a parità di mansioni, di non aver accesso a posizioni di potere e, guarda un po’, di essere vittime di episodi di puro sessismo.

Se questo accade oggi figuriamoci quello che poteva succedere nella Roma del Seicento.

Plautilla Bricci: l’architettrice

Di confessione in confessione anche di Plautilla Bricci, nata a Roma il 13 agosto 1616 e qui deceduta il 13 dicembre 1705, non ne sapevo (un’accidente di) nulla: a farmela scoprire è stata una recensione su La Lettura del libro di Melania Gaia Mazzucco L’architettrice (anteprima alla fine dell’articolo) e la biografia Plautilla Bricci. L’architettrice del barocco romano scritto da Consuelo Lollobrigida (anche questo libro è in anteprima alla fine dell’articolo).

I libri

Nel maggio del 1624 un uomo accompagna la figlia sulla spiaggia di Santa Severa, dove si è arenata una creatura chimerica: una balena.

Esiste anche ciò che è al di là del nostro orizzonte, è questo che il padre insegna a Plautilla.

Una visione che contribuirà a fare di quella bambina un’artista, misteriosa pittrice e architettrice nel torbido splendore della Roma barocca. Melania Mazzucco disegna un grande ritratto di donna tornando alle sue passioni di sempre, il mondo dell’arte e il romanzo storico.

Giovanni Briccio è un genio plebeo, osteggiato dai letterati e ignorato dalla corte: materassaio, pittore di poca fama, musicista, popolare commediografo, attore e poeta. Bizzarro cane randagio in un’epoca in cui è necessario avere un padrone, Briccio educa la figlia alla pittura, e la lancia nel mondo dell’arte come fanciulla prodigio, imponendole il destino della verginità. Plautilla però, donna e di umili origini, fatica a emergere nell’ambiente degli artisti romani, dominato da Bernini e Pietro da Cortona.

L’incontro con Elpidio Benedetti, aspirante scrittore prescelto dal cardinal Barberini come segretario di Mazzarino, finirà per cambiarle la vita.

Con la complicità di questo insolito compagno di viaggio, diventerà molto più di ciò che il padre aveva osato immaginare.

Melania Mazzucco torna al romanzo storico, alla passione per l’arte e i suoi interpreti. Mentre racconta fasti, intrighi, violenze e miserie della Roma dei papi, e il fervore di un secolo insieme bigotto e libertino, ci regala il ritratto di una straordinaria donna del Seicento, abilissima a non far parlare di sé e a celare audacia e sogni per poter realizzare l’impresa in grado di riscattare una vita intera: la costruzione di una originale villa di delizie sul colle che domina Roma, disegnata, progettata ed eseguita da lei, Plautilla, la prima architettrice della storia moderna.

Tra l’età della Controriforma e il Barocco si compie un lento cambiamento culturale che investe il ruolo della donna nella società.

Nel corso di questa trasformazione affiora la figura di un’artista di cruciale importanza per la storia delle donne e per la storia dell’arte: Plautilla Bricci. Architectura et pictura celebris,

La Bricci nacque a Roma nell’agosto del 1616: fu pittrice e architettrice, ricoprendo in questa professione il primato storico per una donna. Chi era Plautilla? Quale fu l’ambiente culturale e sociale nel quale si formò e fu capace di istruirsi? Come spiegare la sua firma su importanti opere d’architettura e dipinti del XVII secolo romano? Come trovò spazio nella difficile società del tempo dominata e gestita dal potere maschile?

Questi sono solo alcuni dei quesiti ai quali si è cercato di dare una risposta in questo libro, prima ancora di aver affrontato l’analisi critica della sua rilevante e molteplice attività, che ha costituto, nel ‘600, un unicum culturale, sociale e artistico.

Plautilla non fu soltanto architetta celeberrima ma anche una famosa pittrice (da qui il termine architettrice): la sua vita e la sua carriera possono essere prese ad esempio per iniziare a riscrivere e rivedere alcune prospettive sulle donne artiste del XVII secolo. Dopo circa dieci anni di costante ricerca in archivi pubblici e privati, è stato finalmente possibile ricostruire la vita e le opere di questa eccezionale artista, che ha il merito – e forse la forza – di scardinare gli stereotipi che ancora sopravvivono nei confronti delle donne artiste. Il libro si avvale delle presentazioni di alcuni dei più autorevoli storici dell’arte e dell’architettura internazionale.

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Il pane e l’artista: Maria Lai

3 Dicembre 2019 by Caterina Andemme

Voglio un pane sempre fresco,

sul cipresso il fiore del pesco;

che siano amici il gatto e il cane,

che diano latte le fontane.

Se voglio troppo, non darmi niente,

dammi una faccia allegra solamente.

Gianni Rodari

Dall’acqua e la farina nasce il pane

Detto in questa maniera sembrerebbe lapalissiano che la somma di questi due elementi (semplificando) porti al pane: cibo carico di significati che vanno oltre al concetto di semplice nutrimento.

Panificare è l’ arte dell”apprendere i segreti per fare il buon pane ma è nelle mani dell’artista che diventa materia per dare forma alla creatività.

Ed è questo che Maria Lai impara guardando le donne fare il pane in casa nella sua Ulassai, trasformando ciò che vede in una serie di disegni figurativi realizzati negli anni Quaranta – lei era nata il 27 settembre 1919, appunto a Ulassai, in provincia di Nuoro – raffiguranti queste donne che diventeranno, secondo quanto lei ha sempre detto, la sua prima accademia.

Biografia (da Wikipedia)

Maria_Lai

Ricordandola nel centenario della nascita

E’ trascorso ormai un secolo dalla sua nascita (la morte è avvenuta il 23 aprile 2013 a Cardedu sempre in Sardegna) e la ricorrenza è stata celebrata con la mostra Maria Lai, pane quotidiano a Ulassai presso le sale della Fondazione Stazione dell’Arte (mostra ormai chiusa da giugno scorso).

Nella mostra erano esposte trenta opere (alcune inedite) riferite al pane inteso come stimolo alla creatività dell’artista: i suoi primi disegni, appunto quelli raffiguranti le donne che preparavano il pane fatto in casa, realizzati negli anni ’40 ed esposti nel 1957 nella sua prima personale a Roma presso la Galleria dell’Obelisco fondata da Irene Brin e dal marito Gaspero del Corso; parte di altre opere presentate nel 1977 in un’altra mostra a lei dedicata, I pani di Maria Lai, alla Galleria del Brandale a Savona ed infine altre opere più recenti come Invito a tavola (2004) realizzata in occasione della rassegna Pitti immagine Casa a Firenze.

La leggenda della bambina mandata sulla montagna

La vita e l’opera di maria Lai è tanto vasta da non essere contenuta in un semplice articolo per il blog, per questo voglio concludere con una leggenda locale del suo paese natale (oltre che all’anteprima del libro Maria Lai, un filo d’arte per tutti di Viviana Porru che troverete alla fine)

Si narra che una bambina fu mandata sulle montagne per portare pane ai pastori.

Una tempesta costrinse lei e gli uomini a rifugiarsi in una grotta: mentre fuori era tutta un’esplosione di lampi e tuoni, tutti videro volare nel cielo un nastro azzurro.

A questo punto solo la bambina coraggiosamente uscì dalla grotta per inseguire il filo: l’antro crollò seppellendo tutti e lei fu l’unica a salvarsi.

La stessa favola che che è servita a Maria Lai come base per un progetto nel 1981 quando il comune di Ulassai le chiese un monumento per i caduti del suo paese: lei rifiutò l’idea di un ricordo per i morti quanto piuttosto decise di realizzare un’opera che coinvolgesse i vivi, cioè i suoi compaesani.

Prese ventisette chilometri di nastro dal colore azzurro e con esso intrecciò tutte le case e le strade, nonché gli abitanti: a quest’opera collettiva diede il nome di Legarsi alla montagna.

Il libro

Viviana Porru esperta in beni culturali e scrittrice ha dedicato all’opera di Maria Lai il libro Maria Lai, un filo d’arte per tutti (neanche a dirlo l’anteprima alla fine dell’articolo).

Maria Lai (1919 – 2013) è attualmente considerata l’artista contemporanea più significativa che la Sardegna possa vantare e ha lasciato un patrimonio di insegnamenti che continuano a parlare nonostante la sua scomparsa.

In questo breve percorso, dedicato a coloro i quali si avvicinano per la prima volta a questa grande artista e desiderano scoprire qualcosa in più sul suo conto, si riscoprono alcuni tra i temi fondamentali della sua filosofia: il legame con la comunità e il tentativo di avvicinare le persone all’arte; il desiderio di tramandare la memoria riscoprendo le più antiche tradizioni; il bisogno di continuare a giocare tutta la vita, perché proprio giocando si può immaginare ciò che sembra impossibile e impegnarsi per raggiungerlo.

Lezioni preziose che l’artista ha maturato in anni e anni di intenso lavoro, mediati dalle figure di maestri importanti come Salvatore Cambosu e Arturo Martini. Tutto questo avviene attraverso la trattazione di alcune tra le sue opere più belle e coinvolgenti, arricchite dalle voci di alcune persone che con lei hanno vissuto e condiviso importanti esperienze, ma anche dalle parole della artista stessa, trascritte dall’inedito archivio video del regista Francesco Casu, suo fidato amico e collaboratore.

Partendo dall’opera più famosa in assoluto Legarsi alla montagna, che vide il paese di Ulassai coinvolto in una performance di arte ambientale nata dalle credenze e i miti locali, il percorso passa al tema della memoria, espresso in opere quali le Fiabe cucite e la Barca di Carta, che propongono il libro come oggetto artistico. I giochi come I luoghi dell’arte a portata di mano e il Volo del gioco dell’oca coinvolgono lo spettatore in una attività di gruppo che attraverso l’espediente ludico lo avvicini al mondo dell’arte.

Infine giungono le proposte per il futuro come la sua idea di una Stanza dell’arte per tutte le scuole, con la quale accompagnare i bambini e i ragazzi verso un vero contatto con l’opera.

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Loïe Fuller: una danzatrice nella Belle époque parigina

10 Gennaio 202119 Novembre 2019 by Caterina Andemme

Miss Loïe Fuller - Henri de Toulouse-Lautrec (1893) — **Miss Loïe Fuller – Henri de Toulouse-Lautrec (1893)**

⌈ Una grassa americana, piuttosto brutta e con gli occhiali, che manovra con delle pertiche delle onde di velo morbide, e scura, attiva, invisibile, come un’ape sul fiore, muove intorno a lei un’orchidea multiforme fatta di luce e di stoffa che si arrotola, sale, si solleva.

Jean Cocteau – Portraits souvenir (1935)⌋

La Serpentine dance di Loïe Fuller

La citazione poco elegante nei confronti di una donna, è quella che nel 1935 Cocteau dedicò a Loïe Fuller quando lei, morta da ormai otto anni, non poteva evidentemente replicare al poeta con altrettanta finezza.

Loïe Fuller (Chicago, 15 gennaio 1862 – Parigi, 2 gennaio 1928) era in realtà il nome d’arte di Marie Louise Fuller ballerina che dagli Stati Uniti stregò la Parigi della Belle époque con la sua serpentine dance

La serpentine dance

La serpentine dance fu un’evoluzione della skirt dance sempre nell’ambito della burlesque. La sua invenzione fu propria di Loïe Fuller la quale, pur non essendo una ballerina professionista ma attrice, scoprì come l’effetto delle luci di scena su di un vestito di garza poteva dare la sensazione allo spettatore di una danza di forme e colori dove il corpo della ballerina spariva nei drappeggi.

Nel 1892, contrariata dal poco successo che riscuoteva negli Stati Uniti, Loïe Fuller decise che Parigi sarebbe diventata la sua stella cosi arrivò alle Folies Bergère e, nonostante lo scetticismo iniziale del proprietario su tipo di spettacolo che la ballerina proponeva, ottenne un successo strepitoso.

Se fossimo vissute nella Belle Époque e frequentato le Folies Bergère saremmo state in compagnia di artisti, intellettuali e scienziati del calibro di Mallarmé, Rodin e i coniugi Curie: tutti, indistintamente, incantati dalla serpentine dance come simbolo della danza moderna dell’art nouveau

Loïe Fuller non si limitò solo a esibirsi nella danza ma, volendo perfezionare il suo stile, studiò il modo di illuminare meglio la scena e inventò i sali fosforescenti da applicare al costume per ottenere effetti psichedelici.

Anche lei, però, aveva la sua musa in una danzatrice più dotata di lei nella danza moderna: Isadora (Angela) Duncan.

Divennero amiche (o quasi) fintanto che Isadora, diventata ormai più famosa della Fuller, non ruppe con lei.

Lasciato le luci delle Folies Bergère, nel 1908 aprì una scuola di danza a Parigi: qui il gossip riferito all’epoca parla dei suoi rapporti con le allieve che andavano al di là di quello professionale (lei non aveva mai nascosto il suo orientamento sessuale).

La salute di Loïe Fuller fu messa a dura prova da un cancro al seno, che le venne poi asportato, dovuto principalmente dovute al radium che utilizzava per rendere fluorescenti i suoi costumi.

Una broncopolmonite la uccise il 2 gennaio 1928.

Nel 2016 la regista Stéphanie Di Giusto realizzò il film biografico La Danseuse (Io danzerò – il titolo italiano dei film) sulla vita artistica di Loïe Fuller basato sul romanzo Loïe Fuller, danseuse de la Belle Époque di Giovanni Lista.

Ad interpretare la danzatrice è stata chiamata la cantante trentatreenne francese Soko (Stèphanie Sokolinski), mentre per il ruolo di Isadora Duncan fu scelta Lily – Rose Deep figlia diciottenne di Johnny Deep e Vanessa Paradise.

♥ Alla prossima! Ciao, ciao….♥♥

Le Veneri anatomiche al servizio della medicina

19 Ottobre 201928 Maggio 2019 by Caterina Andemme

Non vorrei mai essere una donna pelle e ossa.

Il mio corpo mi piace così com’è.

E poi le curve stanno così bene su una donna!

Marylin Monroe

Le Veneri anatomiche

Per quanto Marylin Monroe possa essere considerata un modello per incarnare le grazie di una Venere, non può essere presa come modello per quelle anatomiche che, piuttosto emanare fascino, sono del tutto ripugnanti.

La ripugnanza, espressione di un mio personale giudizio, penso che possa essere condiviso da chiunque si ritrovi a visitare il Museo di Storia Naturale La Specola di Firenze: qui, in una sala del Museo, sono esposte statue di cera raffiguranti corpi umani tra cui una donna con il ventre aperto : si tratta appunto di un modello di Venere anatomica.

Museo della Specola - Venere anatomica — **Museo della Specola – Venere anatomica**

Guardare queste opere, dall’aspetto molto realistico, può anche ingenerare nello spettatore un senso del macabro, ma il loro scopo era tutt’altro che pura esibizione horror per un pubblico dallo stomaco forte: esse erano state realizzate negli anni tra il 1780 e 1782 dal ceroplasta Clemente Michelangelo Susini per gli studenti del corso di Medicina in modo da evitare loro la dissezione di cadaveri e, allo stesso tempo, scoprire com’era fatto un corpo umano al suo interno.

Joanna Ebenstein, artista multidisciplinare e blogger, partendo dalle Veneri anatomiche ospitate nelle sale del Museo della Specola, ha girato per l’Europa fotografando analoghe opere conservate in altri musei naturali: da questo lavoro è nato il libro The anatomical Venus che non è soltanto un viaggio per immagini (ve ne sono 250) ma anche una storia dell’arte, della medicina e lo spunto filosofico per parlare di natura.

La Venere anatomica di Clemente Susini, realizzata tra il 1780 e il 1782, è l’oggetto perfetto: esibisce un tale stravagante sfarzo da mettere in dubbio ogni convinzione per il solo fatto di esistere. Questa statua era concepita come strumento per l’insegnamento dell’anatomia umana senza dover fare continuo ricorso alla pratica della dissezione e, inoltre, costituiva una tacita espressione del rapporto (come lo si intendeva allora) tra il corpo umano e un universo di origine divina, tra arte e scienza e tra uomo e natura. Da quando sono state create nella Firenze del tardo XVIII secolo, queste donne di cera immobili e svestite sono state fonte di seduzione, curiosità e insegnamento. Ma nel XXI secolo risultano anche disorientanti, in bilico come sono tra mito e medicina, offerta votiva e tradizione vernacolare, arte e feticcio. Attingendo al contributo di numerosi storici dell’arte e della medicina, teorici della cultura e filosofi, questo libro studia la Venere anatomica nel suo contesto storico. Analizza le credenze e le pratiche che hanno portato alla sua realizzazione, passando poi a esaminare con attenzione i modi molto diversi in cui è stata via via giudicata e interpretata nel XIX secolo, per delineare infine le curiose “seconde vite” di cui si è resa protagonista nel XX e nel XXI secolo. Un volume incredibile che tramite l’affascinante enigma della Venere anatomica ci trasporta in un’epoca passata in cui studiare la natura significava al contempo studiare la filosofia. Joanna Ebenstein è artista, curatrice, scrittrice, insegnante e graphic designer. È impegnata nella ricerca e nell’indagine di parole, immagini e luoghi in cui il mito, l’incredibile, l’arte e la scienza coesistono. Fondatrice e curatrice del sito web e del blog Morbid Anatomy, ha collaborato con numerose istituzioni, tra cui la New York Academy of Medicine, il Dittrick Museum e il Vrolik Museum.

Tutto qui.

♥ Alla prossima! Ciao, ciao...♥

Alice Neel: artista e femminista

26 Febbraio 2019 by Caterina Andemme

Alice Neel – autoritratto

<<La ragione per cui le donne non hanno successo è che non hanno le palle>>: disse un uomo del pubblico durante una conferenza a New York sull’arte tenutasi negli anni ’70.

Una delle relatrici si alza e con calma gli risponde: <<Le donne hanno le palle, sono solo un po’ più in alto>>.

Quella donna era Alice Neel

Feminist art

La Feminist art è un movimento artistico che ha avuto il suo apice tra gli anni ’60 e ’70 del secolo scorso, associata al movimento femminista lo scopo che si prefiggeva era quello di evidenziare e combattere le differenze sociali e politiche che subivano le donne e altre identità di genere.

Il messaggio era veicolato dall’arte nelle sue varie forme comprese tra la pittura tradizionale, la performance art e l‘arte concettuale .

Alice Neel: una brevissima biografia

*Ritratto di Alice Neel nel suo studio*
*© Lynn Gilbert 1976, New York*

Alice Neel ( Gladwyne (Pennsylvania) , 28 gennaio 1900 – New York, 13 ottobre 1984) oltre che essere un’artista d’avanguardia, fu madre single e militante comunista: quest’ultimo aspetto della sua vita le costò le frequenti visite dell’FBI nella sua abitazione a caccia di chissà quale cospirazione.

La sua famiglia apparteneva al ceto medio e molto rigida nel seguire quel modello sociale che non dava molto spazio (per nulla) all’autonomia della donna.

Lei, penultima di cinque figli, a sedici anni trova la sua strada iscrivendosi ad una scuola d’arte per poi approdare alla Ashcan School movimento artistico conosciuto per opere raffiguranti scene quotidiane della New York più povera.

L’incontro con un cubano che la storia ci restituisce come essere stato molto fascinoso (e ricco), Carlos Enrìquez Gòmez, è solo l’inizio di una serie di uomini a cui lei si legherà in rapporti burrascosi.

Dal cubano avrà due figlie, la prima Santillana che morirà di difterite a un anno, la seconda Isabella le verrà tolta quando divorzierà dal marito per ritornare a New York.

Come detto in precedenza la vita di Alice Neel è un’altalena tragica, tra periodi caratterizzati dalla depressione con tentativi di suicidio – fu ricoverata in manicomio scoprendo, una volta di più, che proprio il dipingere l’aiutava nella guarigione – amanti e aborti ma anche due figli: il primo Richard (di padre sconosciuto) che diventerà vittima delle angherie di uno dei suoi conviventi, il fotografo Sam Brody, lo stesso che sarà il padre del suo secondo figlio Hartley .

Finalmente dopo tanti drammi a Alice viene riconosciuta la fama dovuta: negli anni ’60 è ormai considerata come un’icona del mondo femminista e dalla metà degli anni ’70 come tra le più importanti artiste dell’avanguardia americana.

La vita e l’opera di Alice Neel sono raccontate nel documentario omonimo diretto dal nipote Andrew Neel presentato nel 2007 al Sundance Film Festival e successivamente al Newport Beach Film Festival dove vinse il premio del pubblico come miglior documentario.

Concludendo

Avete certamente capito che ho voluto scrivere non tanto dell’artista (non sono un’esperta di arte) quanto piuttosto ho voluto rimarcare il concetto che l’animo femminile è tanto forte da uscire vincitrice in tutte quelle situazioni in cui è facile prendere (e perdersi) sulla strada della disperazione.

Alla prossima! Ciao, ciao……..

Berthe Morisot: l’impressionista

21 Febbraio 2019 by Caterina Andemme

Giovane donna in tenuta da ballo (1879) olio su tela – Berthe Morisot

L’Impressionismo è un movimento artistico nato in Francia a Parigi il 15 aprile 1874 quando un gruppo di giovani artisti dopo che le loro opere venivano rifiutate dalle gallerie d’arte parigine, decisero di riunirsi e realizzare una mostra non ufficiale presso lo studio del fotografo Felix Nadar al n. 31 di Rue d’Anjou

Tra i mostri sacri si aggira una fanciulla

Claude Monet, Edgard Degas Pierre-August Renoir e ancora altri illustri pittori del movimento artistico degli impressionisti: ma le donne?

Non è facile per una donna della seconda metà dell’Ottocento entrare a far parte dell‘entourage del mondo dell’arte, ovvero: non è per nulla facile, direi impossibile, se provieni da una famiglia di estrazione sociale modesta ( = povera), tutt’altra cosa se i tuoi genitori sono benestanti, in questo caso il tuo estro artistico si potrà rivelare a pochi intimi, sempre in un contesto privato perché il mondo accademico ti è precluso: nella Francia di quell’epoca, ad esempio, l’Ècole des beaux-arts era off-limits per le fanciulle (questo divietò crollerà nel 1897).

Malgrado tutto, se hai carattere e determinazione non esistono ostacoli che possano fermarti, è il caso di Berthe Morisot (Bourges, 14 gennaio 1841 – Parigi, 2 marzo 1895)

Berthe Morisot ancora sedicenne si appassiona all’arte seguendo corsi di disegno insieme alle due sorelle Yves e Edma. La sua prima esposizione al Salon Nadar avviene nel 1864 a cui seguirà, l’anno dopo una seconda esposizione.

Entrando a far parte del gruppo degli impressionisti dal 1874 in poi partecipò insieme a loro a varie manifestazioni.

L’incontro al Louvre

**Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872) – Èdouard Manet**

Una mattina di un imprecisato giorno di un imprecisato mese del 1867, Berthe insieme alla sorella Edma si trova nelle sale del Louvre per copiare Lo scambio di Principesse di Rubens .

Ed è qui che incontra per la prima volta Èdouard Manet : il gossip d’antan dice che il pittore rimase folgorato dalla giovane Berthe ma essendo già sposato si deve accontentare di chiedere alla fanciulla se vuole diventare sua modella per alcuni quadri.

Èdouard Manet realizzò tra gli anni 1869 e 1874 ben 12 ritratti ad olio di Berthe, più numerose incisioni.

Nel 1874 Berthe sposa Eugène Manet da cui avrà una figlia e con il quale stabilì un matrimonio all’insegna della felicità, tanto che lei scrisse a riguardo del proprio marito:

«Ho trovato un brav’uomo, onesto, e sono sicura che mi ama sinceramente. Dopo aver vissuto per tanto tempo inseguendo chimere ho cominciato a vivere una vita vera»

Con il cognato proseguì un rapporto basato sulla reciproca ispirazione artistica che, nel pittore, si esprime anche in una malinconica storia d’amore non realizzata visibile in alcuni quadri con soggetto femminile dove si può vedere una rassomiglianza nel volto di Berthe.

Nel 1883 Èdouard Manet morirà.

Dodici anni dopo, il 2 marzo 1895 Berthe Morisot morirà di polmonite: venne sepolta nella tomba di famiglia dei Manet e sulla sua lapide fu scritto semplicemente:

Berthe Morisot, vedova di Èugene Manet

Il comune di Parigi le ha dedicato nel 1999 un giardino pubblico: il Giardino Berthe Morisot nel XIII arrondissement nel quartiere della Gare.

Alla fine dell’articolo una galleria con le opere della pittrice.

Alla prossima ! Ciao, ciao….