Margaret Bourke-White: Maggie l’indistruttibile

Margaret Bourke-White
Margaret Bourke-White

E’ necessario affrettarsi se si  vuole vedere qualcosa, tutto  scompare

Paul Cézanne 

Margaret, Lee e Robert: fotoreporter in guerra 

In un certo senso  aveva ragione Paul Cézanne nel  dire che bisogna affrettarsi se si  vuol vedere qualcosa  perché nell’istante dopo ciò che abbiamo visto è già cambiato.

Ma se per il pittore il creare un’opera ha i suoi tempi, per un fotografo il discorso  è inverso: rapidità, istinto e anche esperienza si  fondano in un attimo per imprimere nella pellicola (oggi  nei  byte di una memoria digitalequello  che l’occhio  vuole documentare.

Se poi, per un motivo  o per l’altro, si è un inviato  di  guerra la fretta è necessaria anche per evitare tragiche conseguenze legate alla propria vita.

Ho  già scritto di  due celebrità della fotografia e dei loro  reportage di  guerra e cioè di  Lee Miller ( Da modella a fotoreporter di  guerra: lei è Lee Miller ) e di Robert Capa ( Robert Capa: The Magnificent Eleven ), oggi  mi dedico alla figura di un’altra grande fotografa qual era Margaret Bourke – White.

Lo spunto è nato  dopo  aver letto  che, prossimamente, a Milano presso  il Palazzo Reale vi  sarà una retrospettiva a lei  dedicata con un centinaio  di foto  proveniente dall’archivio  di  Life, il periodico  a cui  collaborò da quando Henry  Robinson Luce lo fondò nel 1936 avendo il privilegio di  vedere una sua foto (la diga di Fort Peck) utilizzata come copertina per il primo  numero.

La data dell’apertura della mostra Prima, donna Margaret Bourke – White è condizionata dai provvedimenti presi per fronteggiare la delicata situazione in cui l’Italia si  trova a causa della diffusione del  coronavirus

Margaret Bourke – White, una biografia in poche parole 

Margaret Bourke-White
Margaret Bourke-White

Margaret Bourke-White (New York, 14 giugno 1904, Stamford, 27 agosto 1971) si specializza in fotografia industriale nel 1927, anno in cui divorzia dal primo  marito Everett Chapman   sposato due anni prima.

Nel 1928 si  trasferisce a Cleveland (Ohio) per aprire uno  studio  fotografico specializzato nella fotografia di  architettura e design  conquistando il diritto  di  essere considerata la più brava ( e forse l’unica per l’epoca) fotografa industriale, questo perché le sue immagini non sono fredde riproduzioni di  architetture, ma hanno in se una notevole qualità artistica.

Due anni  dopo  inizia la sua collaborazione con la rivista di  business ed economia  Fortune (fondata anch’essa da Henry Robinson Luce appunto  nel 1930).

Nel 1930 è la prima donna occidentale  a recarsi  nella ex – URSS per una serie di  reportage sull’industria sovietica.

Nel 1937 insieme allo  scrittore e giornalista  Erskine Caldwell (che diventerà il suo  secondo  marito  nel 1939 con il  conseguente secondo  divorzio  nel 1942) pubblica il libro illustrato You have seen their faces sulle condizioni miserevoli  dei coltivatori dopo un lungo  periodo  di  siccità portatrice di  carestia e miseria.

A tale proposito vi  rimando  al  mio  articolo  su  di un’altra grande fotografa testimone di  quel  periodo attraverso le sue drammatiche immagini: Dorothea Lange che fotografò la grande depressione⇐ 

Il 19 luglio 1941 è ancora a Mosca quando i nazisti compiono il primo  attacco aereo  notturno  sulla capitale: presente nell’ambasciata statunitense scatterà le immagini che diventeranno un sensazionale reportage per Life

Rientrata in patria insiste per diventare una reporter di  guerra ed essere inviata al  fronte accreditata con l’esercito  americano.

Nella realizzazione di questo  suo  desiderio,  pesa molto  essere una corrispondente di  Life e cioè il magazine più diffuso  negli  Stati Uniti: ben presto  si  troverà a indossare un’uniforma con  le mostrine di war correspondent e con il soprannome di Maggie the indestructible (Maggie l’indistruttibile)

Si  ritrova, quindi, sui  campi  di  battaglia del  nord Africa e sul fronte italiano, ma è a Buchenwald, che, dopo l’entrata dell’esercito  americano  sotto il comando  del  generale George Smith  Patton, si  ritrova a documentare  la disperazione nei  volti  dei  prigionieri  ancora increduli  di  essere stati liberati e l’orrore dei  forni crematori, tutto  questo malessere lo  condensò in una frase:

Davanti  allo strazio  della realtà ho scattato  senza guardare, l’obiettivo mi serve come barriera tra me stessa e l’agghiacciante verità dell’orrore che ho  di fronte

Dopo la guerra 

Instancabile nel 1947 è nel  subcontinente indiano per documentare la tensione prologo  alla nascita del Pakistan a seguito della divisione dall’India.

Ed è qui,  a poche ore dal  suo  assassinio,  che fotografò il  Mahatma Ghandi: l’episodio  è riportato nel  film del 1982 Ghandi diretto da Richard Attenborough, con Ben Kingsley nel  ruolo  di  Ghandi,  premiato l’anno  seguente con ben otto premi  Oscar tra cui quello  per il miglior film.

Margaret: l’ultima parte della sua vita

Ancora attiva sul campo è in Sudafrica dove scenderà nelle profondità di una miniera d’ oro per un reportage sulle disumane condizioni  dei  minatori  di  colore e l’apartheid.

Purtroppo questa straordinaria carriera termina nel 1957 quando, per la disabilità causatale dal  Parkinson, firma il suo  ultimo  servizio  per Life.

Muore il 27 agosto 1971 a causa di una caduta nella sua dimora.

Il libro

Nel 1963 aveva scritto  la sua autobiografia Portrait of myself della quale pubblico  l’anteprima

Alla prossima! Ciao, ciao…♥♥ 

Vulcania: il progetto postumo di Katia e Maurice Krafft

 

Vulcania

La Terra ci  fornisce sul nostro  conto più insegnamenti di  tutti i libri. perché ci oppone resistenza: misurandosi con l’ostacolo, l’uomo  scopre se stesso

Antoine de Saint-Exupéry

Vulcani, una coppia e la loro  passione 

Sull’argomento  vulcani  ho precedentemente scritto l’articolo  Vulcani, supervulcani e carestie: questa volta parlerò sempre di  vulcani ma di  come la passione per essi  ha unito  una coppia di  scienziati  francesi, della loro idea realizzata in un Parco  tematico e della loro tragica fine durante una  missione scientifica.

Vulcania

In questa vecchia foto  del 1980 sono  ritratti  i coniugi Katia e Maurice Krafft già famosi come i primi tra i  vulcanologi a filmare e fotografare i vulcani in attività durante le loro manifestazioni, furono uccisi da una colata piroclastica durante l’eruzione del monte Unzen in Giappone il 3 giugno 1991: lei  aveva quarantanove  anni, lui  quarantacinque.

Si erano  incontrati  per la prima volta all’Università di  Strasburgo dove Katia seguiva il corso  di geochimica mentre Maurice quello  di  geologia.

Entrambi, però, avevano un insegnante in comune: il grande vulcanologo  Haroun Tazieff il quale, dopo  che i  futuri  coniugi  Krafft si laurearono, li portò con se in Italia per studiare l’Etna ( sembra che il connubio  durò ben poco  a causa di  dissapori  tra la coppia e il vulcanologo  già affermato negli i ambienti  dei  mass media oltre che a quelli  scientifici).

Capire quale vulcano era in attività e se era  degno  di  attenzione negli  anni pre – Internet non era certo  cosa facile, per questo i coniugi  Krafft entrarono  a far parte del programma  Global  Volcanism della Smithsonian Institution, dove ancora oggi  convergono le comunicazioni da tutto il mondo sulle eruzioni  in corso, notizie  fondamentali  per chi di professione è vulcanologo ma non solo (il link è stato  messo proprio per placare ogni  curiosità) .

 Il loro progetto  da pensionati era quello  di  vivere alle Hawaii costruendo una casa vicino  al cratere del Kīlauea.

Vulcania

Vulcania

Era il grande sogno  di Katia e Maurice: un gigantesco parco  tematico dedicato  ai  vulcani  da svilupparsi  nelle viscere della terra in una regione ricca di  vulcani  spenti  come il Puy- de- Dôme: l’Auvergne

Il progetto fu  subito  contestato dai  geologi  che lo  vedevano  come una Disneyland scientifica (ma i Parchi  tematici  nascono proprio  per coniugare il divertimento  con l’apprendimento) e con gli  ecologisti  che temevano l’impatto  su  quel  territorio dei  possibili  visitatori  (allora ne erano  previsti  all’incirca 420.000 l’anno).

Nonostante queste riserve nel 2002 Vulcania apre le porte al pubblico raggiungendo, fino a oggi, la quota di oltre cinque milioni  di  visitatori, numero  inferiore a quello previsto in fase progettuale ma pur sempre considerevole.

Vulcania si  trova nel  comune di  Saint-Ours nel Puy-de-Dôme a una quindicina di  chilometri  da  Clermont-Ferrand

INFO

Galleria fotografica 

Quando  ho  visitato  Vulcania mi ricordo  di  aver fatto una lunga fila, ma il  disagio  è stato  ampiamente ripagato dall’allestimento  delle sale che, in maniera chiara a tutti  (anche a una profana come me), portano il visitatore nella geologia e genesi  dei  vulcani.

Queste poche foto non sono  assolutamente esaustive a riguardo.

Alla prossima! Ciao, ciao…..♥♥

Virginia Woolf, l’indimenticabile scrittrice

Virginia Woolf

La più inutile delle classi, i ricchi con una patina di  cultura

Virginia Woolf

Virginia Woolf: incominciando  dalla fine

Virginia Woolf

Carissimo, sono certa di stare impazzendo di nuovo.

Sento che non possiamo affrontare un altro di quei terribili momenti. E questa volta non guarirò.

Inizio a sentire voci, e non riesco a concentrarmi.

Perciò sto facendo quella che sembra la cosa migliore da fare.

Tu mi hai dato la maggiore felicità possibile. Sei stato in ogni modo tutto ciò che nessuno avrebbe mai potuto essere. Non penso che due persone abbiano potuto essere più felici fino a quando è arrivata questa terribile malattia.

Non posso più combattere. So che ti sto rovinando la vita, che senza di me potresti andare avanti. E lo farai lo so.

Vedi non riesco neanche a scrivere questo come si deve. Non riesco a leggere.

Quello che voglio dirti è che devo tutta la felicità della mia vita a te.

Sei stato completamente paziente con me, e incredibilmente buono. Voglio dirlo – tutti lo sanno. Se qualcuno avesse potuto salvarmi saresti stato tu. Tutto se n’è andato da me tranne la certezza della tua bontà.

Non posso continuare a rovinarti la vita. Non credo che due persone possano essere state più felici di quanto lo siamo stati noi.»

Pubblicando il testo  di  questa lettera scritta da Virginia Woolf a suo  marito prima di  suicidarsi, ho pensato a lei e alla sua malattia, la depressione, e di  quanto sia ingiusto  da parte dei  contemporanei  (compresa me)  pubblicare un documento violandone l’intimità e il dolore della persona che lo ha scritto al  culmine della sua esistenza.

In ogni  caso, parlando  di personalità come Virginia Woolf, è fuori  di ogni  dubbio  che ciò che è (o dovrebbe essere) privato diventa materia a disposizione del  pubblico.

Nel 2003 Nicole Kidman, indossando un naso finto ( abbruttendosi più del  necessario) vinse il premio  Oscar come migliore attrice protagonista  per il film The hours  basato  sul romanzo omonimo di Michael  Cunningham vincitore del  premio Pulitzer.

Una biografia in poche parole 

Virginia Woolf
Virginia Woolf (foto  di George Charles Beresford – 1902)

 Adeline Virginia  nasce a Londra il 25 gennaio  1882, suo  padre è sir Leslie Stephen storico e alpinista (fu  cofondatore dell’Alpine Club e redattore del giornale omonimo), sua madre era Julia Prinsep  Jackson.

Entrambi i genitori  erano vedovi e con figli  avuti  dai  rispettivi  precedenti  matrimoni

Virginia Woolf

In Gita al faro (1927) uno dei suoi  romanzi più famosi, la descrizione  dei luoghi  prende spunto dai  dintorni  di  Talland House la residenza estiva della famiglia Stephen a Saint Ives cittadina che si  affaccia nell’omonima baia in Cornovaglia: lei stessa disse che i periodi  più felici  della sua vita furono appunto  quelli passati in quel luogo, fino  al 1895.

Quell’anno, appunto il 1895,  quando lei  aveva solo tredici anni, sua madre morì e in seguito suo  padre, rimasto  vedovo  per la seconda volta, prostrato  dal  dolore decise di  vendere la casa al mare.

Dal 1897 al 1901 Virginia studiò storia e lettere classiche presso il King’s College London e, nell’anno in cui venne ammessa agli  studi universitari, un altro  lutto si  abbatté su  di lei  con la morte della sorellastra Stella.

Nel 1904 la serie luttuosa proseguì con la morte del padre Leslie Stephen.

In seguito  Virginia insieme a sua sorella Vanessa  e al fratello  Thoby si  trasferisce nel  quartiere londinese di  Bloomsbury ed è qui che, nel 1905, nasce il Bloomsbury  Group circolo  di  artisti  che ebbe modo  di  influenzare la società di  allora con temi  quali il femminismo, la sessualità e il pacifismo.

Sempre in quell’anno  incominciò  a scrivere per il supplemento  letterario  del Times e fare conoscenza con intellettuali  del  calibro  di Bertrand Russell, Edward Morgan Forster, Ludwig Wittgenstein.

Senza dubbio, però, la conoscenza che fece, e che per lei  senz’altro più importante, fu  quella con lo scrittore e teorico  politico  Leonard Woolf suo  futuro  marito (questo  non le impedì di  avere relazioni  con altre donne come Vita Sackville – West e Ethel Smyth  che influenzarono la vita e le sue opere letterarie).

Fu attraverso  Ethel Smith  che Virginia Woolf (finalmente posso chiamarla per nome e cognome) si  avvicinò al  movimento  delle  suffragette 

Nonostante quest’intensa vita intellettuale e professionale (pubblicava le sue critiche letterarie su  giornali  quali appunto il Times, il Guardian e il National  Review) e all’uscita del suo  primo libro  La crociera (1915), questo non le impedì di tentare il suicidio  a causa di  una seconda grave forma depressiva.

Leonard Woolf nell’intento di  aiutare sua moglie le propose di  fondare insieme a lei una casa editrice: nel 1917 nasceva la Hogarth Press che pubblicò libri  di  autori  come Katherine Mansfield, Italo Svevo, Sigmund Freud e altri.

A questo punto sarebbe (quasi) inutile da parte mia citare i numerosi  romanzi  e saggi  che Virginia Woolf scrisse  nella sua carriera, ma mi preme fare un accenno  ai  quei  testi dove venivano messi in risalto le discriminazioni nel  confronto  delle donne (tema più che attuale):  Una stanza tutta per sè è il saggio  pubblicato  nel 1924 in cui  Virginia Woolf rivendica il diritto  della donna di  accedere alla cultura in una società, come quella inglese dell’epoca, ma non solo questa,che era solo  appannaggio  degli uomini; nelle Le tre ghinee (1938) il tema è lo stretto  legame esistente tra patriarcato, militarismo e regimi  dittatoriali.

La depressione in Virginia Woolf  e le sue cause

Nel 1940 la Gran Bretagna era in piena Seconda guerra mondiale: Virginia Woolf pubblica il suo  ultimo libro Tra un atto e l’altro, mentre le sue crisi  depressive diventano sempre più frequenti  e feroci, fintanto  che, il 28 marzo 1841, dopo essersi riempita le tasche di pietre si  annegò nel  fiume Ouse nel  Sussex.

Si  è  scritto molto  sulla depressione  che ha minato  la vita della scrittrice: certo i lutti con la perdita della madre quando lei  era tredicenne e quelli  seguente  con la morte della sorellastra Stella e del padre Leslie Stephen, hanno  contribuito non poco  all’instabilità del  suo umore, ma una grossa colpa è senz’altro  da addossare ai  suoi  fratellastri George e Gerald Duckworth che abusarono  sessualmente di lei  quando  aveva tredici  anni  e di  sua sorella Vanessa.

La storia di  questi  intolleranti  episodi  di  violenza familiare sono  il tema del libro della scrittrice statunitense  Louise  DeSalvo (deceduta il 31 ottobre 2018) Virginia Woolf: the impact of childhood sexual abuse on her life and work lavoro basato  su  di un’attenta analisi  degli  appuntii e dei  diari  che Virginia Woolf ha lasciato durante la sua vita.

Un’approccio  più scientifico è invece l’analisi  psicologica che Lucia C.A. Williams, ricercatrice presso il Dipartimento  di  psicologia dell’università di São Carlos in Brasile, ha pubblicato  con il titolo  altrettanto lungo  di Virginia Woolf’s history of sexual victimization. A case study in light of current research (se siete interessati  all’argomento l’intero studio lo troverete in questo pdf in lingua inglese).

Il libro

Caro padrino, siete stato sugli Adirondack e avete visto  molti  animali selvaggi  e molti uccelli  nei  loro  nidi: se non venite qui siete cattivo, arrivederci.

Con affetto Virginia

Virginia Woolf scrisse queste parole quando  aveva sei  anni e si  tratta di una postilla in una lettera che il padre aveva indirizzato all’amico  di  famiglia James Russell Lowell.

Lo stesso  scritto è stato utilizzato da Veronica La Peccerella come introduzione al  suo  saggio Mio  carissimo rospo una selezione delle lettere che Virginia Woolf ha scritto tra il 1888 fino  al 1900.

Alla prossima! Ciao, ciao….♥♥

Architettura (d’antan) al femminile: Plautilla Bricci

Plautilla Bricci, prospetto occidentale di Villa Benedetta (detta Il vascello) Roma 1663 (Archivio di Stato)

Chi progetta sa di  aver raggiunto la perfezione non quando non ha più nulla da aggiungere ma quando non gli  resta più nulla da togliere

Antoine de Saint – Exupery 

Architettura per soli uomini e per poche donne  

In un’intervista vecchia ormai  di  quasi  sette anni, Zaha Hadid  parlando della sua professione  disse queste parole:

La gente sottovaluta quanto l’architettura sia una professione difficile perché richiede orari lunghi e un impegno  assoluto.

Proseguendo nell’intervista lei  disse che una donna difficilmente poteva fare carriera  in architettura, se si  trovava nella condizione di dover pensare nel  contempo  alla famiglia e, eventualmente ce ne fossero,  alla cura di  figli.

Ovviamente le difficoltà di  cui  accennava  l’archistar sono le stesse che una donna può incontrare in qualunque ambito  lavorativo.

Architetto o architetta?

Confesso  che avuto  qualche dubbio se scrivere architetto oppure architetta: una visita al sito  architetti.com mi ha confermato che non è sbagliato  scrivere architetta e che il problema non è nella vocale finale quanto piuttosto nell’incompatibilità dei  tempi  richiesti  dalla professione con la vita familiare e la maternità (si  ripetono le parole di Zaha Hadid) oltre al  fatto  di  essere pagate di  meno a parità di  mansioni, di non aver accesso  a posizioni  di potere e, guarda un po’, di  essere vittime di episodi  di  puro  sessismo.

Se questo accade oggi figuriamoci quello  che poteva succedere nella Roma del  Seicento.

Plautilla Bricci: l’architettrice

Di  confessione in confessione anche di Plautilla Bricci, nata a Roma il 13 agosto  1616 e qui  deceduta il 13 dicembre 1705,    non ne sapevo (un’accidente di) nulla: a farmela scoprire è stata una recensione su La Lettura del libro di  Melania Gaia Mazzucco L’architettrice (anteprima alla fine dell’articolo) e la biografia Plautilla Bricci. L’architettrice del  barocco  romano scritto  da Consuelo  Lollobrigida (anche questo  libro è in anteprima alla fine dell’articolo).

I libri

Nel maggio del 1624 un uomo accompagna la figlia sulla spiaggia di Santa Severa, dove si è arenata una creatura chimerica: una balena.

Esiste anche ciò che è al di là del nostro orizzonte, è questo che il padre insegna a Plautilla.

Una visione che contribuirà a fare di quella bambina un’artista, misteriosa pittrice e architettrice nel torbido splendore della Roma barocca. Melania Mazzucco disegna un grande ritratto di donna tornando alle sue passioni di sempre, il mondo dell’arte e il romanzo storico.

Giovanni Briccio è un genio plebeo, osteggiato dai letterati e ignorato dalla corte: materassaio, pittore di poca fama, musicista, popolare commediografo, attore e poeta. Bizzarro cane randagio in un’epoca in cui è necessario avere un padrone, Briccio educa la figlia alla pittura, e la lancia nel mondo dell’arte come fanciulla prodigio, imponendole il destino della verginità. Plautilla però, donna e di umili origini, fatica a emergere nell’ambiente degli artisti romani, dominato da Bernini e Pietro da Cortona.

L’incontro con Elpidio Benedetti, aspirante scrittore prescelto dal cardinal Barberini come segretario di Mazzarino, finirà per cambiarle la vita.

Con la complicità di questo insolito compagno di viaggio, diventerà molto più di ciò che il padre aveva osato immaginare.

Melania Mazzucco torna al romanzo storico, alla passione per l’arte e i suoi interpreti. Mentre racconta fasti, intrighi, violenze e miserie della Roma dei papi, e il fervore di un secolo insieme bigotto e libertino, ci regala il ritratto di una straordinaria donna del Seicento, abilissima a non far parlare di sé e a celare audacia e sogni per poter realizzare l’impresa in grado di riscattare una vita intera: la costruzione di una originale villa di delizie sul colle che domina Roma, disegnata, progettata ed eseguita da lei, Plautilla, la prima architettrice della storia moderna.

 

Tra l’età della Controriforma e il Barocco si compie un lento cambiamento culturale che investe il ruolo della donna nella società.

Nel corso di questa trasformazione affiora la figura di un’artista di cruciale importanza per la storia delle donne e per la storia dell’arte: Plautilla Bricci. Architectura et pictura celebris,

La Bricci nacque a Roma nell’agosto del 1616: fu pittrice e architettrice, ricoprendo in questa professione il primato storico per una donna. Chi era Plautilla? Quale fu l’ambiente culturale e sociale nel quale si formò e fu capace di istruirsi? Come spiegare la sua firma su importanti opere d’architettura e dipinti del XVII secolo romano? Come trovò spazio nella difficile società del tempo dominata e gestita dal potere maschile?

Questi sono solo alcuni dei quesiti ai quali si è cercato di dare una risposta in questo libro, prima ancora di aver affrontato l’analisi critica della sua rilevante e molteplice attività, che ha costituto, nel ‘600, un unicum culturale, sociale e artistico.

Plautilla non fu soltanto architetta celeberrima ma anche una famosa pittrice (da qui il termine architettrice): la sua vita e la sua carriera possono essere prese ad esempio per iniziare a riscrivere e rivedere alcune prospettive sulle donne artiste del XVII secolo. Dopo circa dieci anni di costante ricerca in archivi pubblici e privati, è stato finalmente possibile ricostruire la vita e le opere di questa eccezionale artista, che ha il merito – e forse la forza – di scardinare gli stereotipi che ancora sopravvivono nei confronti delle donne artiste. Il libro si avvale delle presentazioni di alcuni dei più autorevoli storici dell’arte e dell’architettura internazionale.

Alla prossima! Ciao, ciao…♥♥

Seneca e la dolcezza nel Bacio

In un bacio che sia tra uomo  e donna,

donna e donna oppure tra uomo  e uomo,

non c’è mai  nulla di  strano,

sennonché sono  i pregiudizi a far dire

che è strano  ciò che non lo  è affatto.

C.A.

Seneca l’altro

Se passando  da queste parti  vi è venuta la curiosità di  conoscere cosa Lucio Anneo  Seneca avesse da dire a riguardo  della dolcezza del  bacio, vi  dico subito che state andando incontro  a una delusione: il Seneca in questione non è il filosofo  romano morto  nel primo  secolo della nostra era, ma Federico Seneca disegnatore e designer dei nostri  tempi morto, purtroppo  per lui, il 16 novembre del 1976.

A questo punto  è lecito  da parte vostra chiedervi  cosa mai  c’entra questo nostro Seneca con la dolcezza del  bacio?

Penso  che almeno  una volta nella vostra lunga vita abbiate apprezzato quel  magico sapore sprigionato dal morso a un cioccolatino  tratto da una confezione dove due teneri amanti  si  abbracciano: i famosi  Baci  Perugina 

Ebbene l’invenzione, insieme al cartiglio con frasi  amorose che avvolge il Bacio, fu di  Federico  Seneca ( Fano, 1891 – Casnate, 16 novembre 1976)    che sin dal 1920 si occupò di  disegnare i  cartelloni pubblicitari  della Perugina 

Sembrerebbe che lui  stesso  sia stato  ispirato per i  suoi  amanti  dal  quadro di Francesco Hayez El Beso esposto  presso  la Pinacoteca di  Brera a Milano   

El Beso Francesco Hayez (1859)
El Beso
Francesco Hayez (1859)

La vita professionale di  Federico  Seneca ha inizio pilotando un idrovolante durante la Prima guerra mondiale: suo commilitone era Luigi  Fontana fondatore nel 1932 di FontanaArte che gli presentò Luigi  Buitoni  diventandone direttore artistico  della Buitoni – Perugina.

Negli  anni  a venire  Federico  Seneca si occupa di  altri  marchi importanti del  calibro  di  Ramazzotti, Cinzano, Carpano e altri. fino  a fondare una suo studio  di  grafica a Milano negli  anni ’50 che rivoluzionerà la creatività nel  fare manifesti pubblicitari ( questo dopo il fallimento  di una sua azienda di  design basata sulla produzione di oggetti derivati  dal  caucciù).

Parte delle  opere di  Federico  Seneca sono visibili  in questa pagina.

Breve, brevissima, storia del Bacio

Ovviamente, per concludere con dolcezza come si addice a una blogger come la sottoscritta, ecco la storia del  Bacio dolciario più famoso:

A darne la forma non poteva che essere una stilista e imprenditrice come Luisa Spagnoli che, insieme a suo  marito Francesco  Buitoni  e il socio Leone Ascoli, aprì nel 1907 un’azienda dolciaria nel  centro  di Perugia la quale  non poteva che  chiamarsi Perugina 

E’ lei che, nel 1922, inventò la delizia del Bacio composto  dalle schegge di  lavorazione delle nocciole impastate  con il cacao che andava a ricoprire una nocciola intera avvolta da cioccolato  fondente.

La storia del nome di questo  cioccolatino riporta che, a causa della sua forma grossolana assomigliante a un pugno  chiuso, doveva essere Cazzotti: potete immaginare l’imbarazzo che si  avrebbe avuto  regalando una confezione di  Cazzotti  anziché di  Baci….(comunque è una storia da verificare)

Infine, trovandovi  a passare per Perugia, sappiate che lì troverete il Museo Storico Perugina dove, oltre alla possibilità di seguire un corso della Scuola del  Cioccolato, potete conoscere la storia della Perugina.

Il Museo Storico della Perugina è il secondo museo  d’impresa in Italia sotto  la tutela della Soprintendenza dei  Beni Culturali.

Per la visita si richiede una prenotazione obbligatoria seguendo il link sul sito.

Alla fine del percorso museale è prevista una degustazione dei prodotti  della Perugina con possibilità d’acquisto (se poi volete fare dono all’autrice di  questo  blog di una confezione di Baci, lei  certamente ve ne sarà grata….)

Alla prossima! Ciao, ciao….♥♥

Negazionismo contro la verità indiscutibile delle fonti

Il negazionismo (di un evento storico come genocidio o una pulizia etnica o  un crimine contro l’umanità) è una corrente pseudostorica e pseudoscientifica del  revisionismo che consiste in un atteggiamento storico – politico il quale, utilizzando  a fini  ideologici – politici modalità di negazione di  fenomeni  storici accertati, nega ogni  evidenza il fatto  storico  stesso

Fonte Wikipedia

Negazionismo contro  l’evidenza delle prove

Vorrei  essere sorda alle parole di  chi  continua a ripetere che i  campi  di  concentramento  nazisti sono  solo un’invenzione e che, anzi,  i  deportati  in questi luoghi  avevano  tutto il necessario per un soggiorno piacevole quali  cinema, teatro, piscina: farneticazioni rilasciate da un’insospettabile impiegata che nel  tempo  libero  reclutava fascio – nazisti per costituire cellule armate (vedi  articolo dal  sito  Il Cosmo)

Quindi,  le foto di  Francisco Boix,  internato  a  Mauthausen dal 27 gennaio 1941 fino al  5 maggio 1945 giorno in cui l’esercito  americano libera i prigionieri, sono un falso?

Uomini ridotti  a essere solo  scheletri, cadaveri penzolanti dal  filo  spinato e altri uomini  ridotti in schiavitù per trasportare pesi enormi per la costruzione di una scalinata per il piacere dei gerarchi  nazisti, erano  solo  delle comparse?

La storia di  Francisco  Boix

Francisco Boix nel campo di concentramento di Mauthausen
Francisco Boix durante il suo internamento nel lager di Mauthausen

Francisco  Boix in virtù del  fatto  che, prima di  essere internato  a Mauthausen la sua professione era quella di  fotografo, fu assegnato al  servizio identificazione  dei prigionieri  nel  lager gestito  direttamente dalla Gestapo.

La prima falsità che Boix constatò lavorando  all’archivio delle fotografie fu  che esse erano state manipolate a scopi propagandistici mostrando Mauthausen  come un luogo  dove i prigionieri erano ben  nutriti  e felici.

In seguito, scoprendo altre manipolazioni che riguardavano internati  la cui  morte veniva definita accidentale anziché uccisi dalle SS decise, a rischio  della propria vita, di impossessarsi di  alcuni negativi nascondendoli  per poi utilizzarli come testimonianza delle atrocità che avvenivano a Mauthausen.

Una volta libero Francisco  Boix portò la sua testimonianza nei  due processi internazionali  di  Norimberga e Dachau contro  i gerarchi  nazisti responsabili  dei  delitti  avvenuti nel  lager di  Mauthausen: le foto  che a suo tempo  aveva sottratto  dall’archivio  del servizio  identificazioni servirono per smentire coloro che da aguzzini si  ritrovarono  sul banco  deli  imputati  e che asserivano  di non sapere nulla di  ciò che accadeva  praticamente sotto i loro  occhi e per la loro  responsabilità.

Dopo la liberazione di Mauthausen si trasferisce a Parigi dove lavorerà come fotoreporter per diversi giornali e riviste.

Ha solo 30 anni quando nel 1951 muore a Parigi per insufficienza renale.

Ho  scelto di non pubblicare le foto utilizzate da Francisco Boix come testimonianza delle atrocità avvenute a Mauthausen per  sensibilità e rispetto delle vittime ritratte in esse.

Questi  documenti sono visibili  presso il   National  Archives and Records Administration (NARA) di  Washington: una loro  visione sarebbe auspicabile per chi è a favore del  negazionismo

La storia di Francisco  Boix è narrata nel  film Il fotografo  di  Mauthausen opera della regista Mar Targarona (2018)

 Night Will Fall: un altro docu – film contro il negazionismo 

 

 

Nel 1945 la British Army Film Unit commissionò al produttore Sydney Bernstein un lavoro  basato su  quello  dei  fotografi alleati inviati a testimoniare attraverso  le loro  immagini  la tragedia dei  campi  di  concentramento  di  Auschwitz, Dachau e Bergen  – Belsen: il filmato fu molto più inquietante rispetto  ad immagini  statiche nel  denunciare l’orrore dell’Olocausto.

Sydney Bernstein affidò la regia al  regista Andre Singer e chiamò, al termine della produzione, il suo  amico  Alfred Hitchcock per avere un ultimo parere sul docu – film.

Il progettò fu  bloccato  dal  governo inglese perché era il periodo  in cui  stava nascendo il timore per una minaccia sovietica (in pratica si  era  all’inizio  della cosiddetta  Guerra Fredda) e si pensò che non fosse il caso di  alienarsi ulteriormente il sostegno tedesco, per lo meno quello della Germania democratica,  in un’ottica anti – sovietica

Oggi, grazie anche al  restauro dell’Imperial  War Museum, Night Will Fall è visibile al grande pubblico.

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ALLA PROSSIMA! CIAO, CIAO...♥♥

La montagna e il destino dei draghi

 

Chi più in alto  sale, più lontano  vede; chi più lontano  vede più a lungo  sogna

Walter Bonatti 

La montagna e i  sogni

Quindi, cara gente di pianura, secondo  quanto  detto  da  Walter Bonatti, i vostri  sogni  sono limitati dal un orizzonte piatto unico  confine tra terra e cielo

Sennonché penso  che sognare sia un’azione slegata da confini  o  altitudini , quindi  questione  personale che appartiene alla sfera dell’intimo.

Come semplice escursionista,  che può vantare al massimo di  essere arrivata a poco  più di 2.800 metri di  altitudine per poter guardare lontano (e quindi sognare più  a lungo) mi sono sempre chiesta cosa possa passare per la testa di un essere umano tanto da spingerlo  a mettere in gioco  la propria vita per conquistare una cima.

Ma è anche grazie al loro  coraggio e determinazione se oggi l’immaginario  delle montagne abitate dai  draghi è solo  folklore.

La montagna e il destino 

Louis Rousseau, alpinista canadese, scrisse una volta all’amico  Daniele Nardi a riguardo del Nanga Parbat:

” E’ una montagna che ipnotizza gli  alpinisti.

Anch’io sono stato ipnotizzato.

Ma oggi  so  che chiunque la tenti perde la vita o una parte di  se”

In queste parole si può leggere  l’ esortazione all’amico  a rinunciare ad un’impresa rischiosa che comporta anche la morte.

Ma l’amico è Daniele Nardi non certo un uomo di  pianura anche se  da dove è nato  le Alpi si possono  solo immaginare, figuriamoci  le vette himalayane: ostinazione, coraggio, determinazione, forse un pizzico  di  spregiudicatezza: forse è ciò che forma il carattere di un alpinista a cui  nulla può impedire che un’idea diventi progetto  e quindi realizzazione.

Fatto  sta che Daniele Nardi  vuole aggiungere qualcosa di più alla già enorme difficoltà intrinseca nella scalata di  quella montagna: vuole che l’ascensione avvenga durante il periodo  invernale.

A questo punto non mi dilungo  sulla tragedia avvenuta all’inizio di  quest’anno, precisamente il 25 febbraio: Daniele Nardi e il suo  compagno  di  cordata Tom Ballard muoiono a causa di una tempesta di  neve (e tutt’oggi i loro  corpi  sono  ancora lassù).

La madre e il figlio uniti nel  destino

Alison Hargreaves ritratta con i figli Kate e Tom
Alison Hargreaves ritratta con i figli Kate e Tom

Tom Ballard era il figlio di Alison Hargreaves conquistatrice  1995 dell’Everest in solitaria e senza bombole d’ossigeno.

 Nell’arco  di  tempo  dello stesso anno  lei  si prefiggeva di  scalare, sempre in solitaria e senza bombole di ossigeno,  oltre che l’Everest anche il K2 e il  Kangchenjunga: rimase uccisa il 13 agosto 1995 durante la discesa dal  K2, aveva solo 33 anni.

Memorabile, e da molti criticata, fu aver scalato la parete nord dell’Eiger  incinta del  suo  primogenito Tom Ballard.

Il libro

Daniele Nardi ha voluto  che la scrittrice Alessandra Carati portasse a termine quello  che doveva essere un libro  scritto a quattro  mani e che, purtroppo, è diventata la storia di una lunga avventura interrotta dalla tragedia.

L’anteprima è alla fine dell’articolo

«Un alpinista è un esploratore, non resiste a una via di cui si è innamorato, non può sottrarsi al desiderio di tentarla. Perché la visione iniziale è diventata un’idea, e l’idea un progetto a cui pensa tutti i giorni e a cui dedica le sue energie migliori».

Alla prossima! Ciao, ciao...♥♥

Loïe Fuller: una danzatrice nella Belle Époque parigina

Miss Loïe Fuller - Henri de Toulouse-Lautrec (1893)
Miss Loïe Fuller – Henri de Toulouse-Lautrec (1893)

<< Una grassa americana, piuttosto  brutta e con gli occhiali, che manovra con delle pertiche delle onde di  velo morbide, e scura, attiva, invisibile, come un’ape sul fiore, muove intorno  a lei  un’orchidea multiforme fatta di luce e di  stoffa che si  arrotola, sale, si solleva..>>

Jean CocteauPortraits souvenir (1935)

La Serpentine dance di Loïe Fuller

La citazione poco  elegante nei  confronti  di una donna, è quella che nel 1935  Cocteau  dedicò a Loïe Fuller quando lei, morta da  ormai otto  anni, non poteva evidentemente replicare al poeta  con altrettanta finezza.

Loie Fuller
Loïe Fuller 

Loïe Fuller (Chicago, 15 gennaio 1862 – Parigi, 2 gennaio 1928) era in realtà il nome d’arte di  Marie Louise Fuller ballerina che dagli  Stati Uniti stregò la Parigi  della Belle Époque con la sua serpentine dance

La serpentine dance fu un’evoluzione della skirt dance sempre nell’ambito  della burlesque.

La sua invenzione fu  propria di  Loïe Fuller la quale, pur non essendo una ballerina professionista ma attrice, scoprì come l’effetto  delle luci  di  scena su  di un vestito  di  garza  poteva dare la sensazione allo  spettatore di  una danza di  forme e colori dove il corpo  della ballerina spariva nei  drappeggi.

Nel 1892, contrariata dal poco  successo che riscuoteva negli  Stati  Uniti, Loïe Fuller decise che Parigi  sarebbe diventata la sua stella  cosi arrivò alle  Folies Bergère e, nonostante lo scetticismo  iniziale del proprietario  su  tipo  di  spettacolo  che la ballerina proponeva, ottenne un successo  strepitoso.

Se fossimo vissute  nella Belle Époque e frequentato le Folies Bergère saremmo  state in compagnia di artisti, intellettuali  e scienziati del  calibro di  Mallarmé, Rodin e i  coniugi  Curie: tutti, indistintamente, incantati dalla serpentine dance come simbolo  della danza moderna dell’art nouveau  

Loïe Fuller non si limitò solo a esibirsi  nella danza ma, volendo perfezionare il suo  stile, studiò il modo  di  illuminare meglio  la scena e inventò i sali  fosforescenti  da applicare al  costume per ottenere  effetti  psichedelici.

Anche lei, però, aveva la sua musa in una danzatrice più dotata di  lei nella danza moderna: Isadora  (Angela) Duncan.

Divennero  amiche (o  quasi) fintanto  che Isadora, diventata  ormai più  famosa della Fuller, non ruppe con lei.

Lasciato le luci  delle Folies Bergère, nel 1908 aprì una scuola di danza a Parigi: qui il gossip riferito  all’epoca parla dei  suoi  rapporti  con le allieve che andavano  al  di  là di quello professionale (lei  non aveva mai  nascosto il suo  orientamento  sessuale).

La salute di  Loïe Fuller fu messa a dura prova da un cancro  al seno, che le venne poi asportato, dovuto principalmente  dovute al radium che utilizzava per rendere fluorescenti  i suoi  costumi.

Una broncopolmonite la uccise  il 2 gennaio 1928.

Nel 2016 la regista Stéphanie Di Giusto realizzò il film biografico La Danseuse (Io danzerò – il titolo italiano dei film) sulla vita artistica di  Loïe Fuller basato sul romanzo Loïe Fuller, danseuse de la Belle Époque di Giovanni Lista.

Ad interpretare la danzatrice è stata chiamata  la cantante trentatreenne francese Soko (Stèphanie Sokolinski), mentre per il ruolo  di  Isadora Duncan fu  scelta Lily – Rose Deep figlia diciottenne  di Johnny Deep e Vanessa Paradise.

Alla prossima! Ciao, ciao….♥♥

Un golem per tutte le stagioni (anche quelle più brutte)

” Pensate al cristallo che, massa amorfa,  assume forma regolare ubbidendo  alle proprie immutabili  leggi pur senza averne coscienza.

Non potrebbe succedere lo  stesso  nel mondo  dello  spirito?”

Da Il Golem di  Gustav Meyrink

Golem e Frankenstein: due creature dell’immaginario

Era una notte buia e tempestosa

E’ ovvio  che la creatura del dottor  Victor Frankenstein non poteva che nascere in una notte buia e tempestosa, perché il patchwork di  cadaveri assemblati alla meglio per poter vivere aveva bisogno della potenza di un fulmine per darsi la scossa necessaria.

Mary Shelley scrisse Frankenstein  o il moderno Prometeo quando  aveva 19 anni e cioè nel  1817 vedendoselo  pubblicare l’anno  successivo (una seconda edizione, modificata sempre dall’autrice, si  ebbe nel 1832).

Il libro  è nel  tempo  diventato un best seller della letteratura capostipite dei più moderni  romanzi  horror: il mostro  di  Victor Frankenstein (cioè quello generato dal  genio letterario  di Mary Shelley)  si  discosta di molto dall’altra creatura mitica del Golem  resa viva  partendo dal  un grumo di  argilla e formule talmudiche.

Infatti se Frankenstein (il mostro)  suscita ribrezzo tra gli uomini, nonostante la ricerca di  consapevolezza del  suo  essere, alla fine per la sua emarginazione sfogherà il suo odio  contro gli uomini fino a isolarsi  tra i  ghiacci eterni  (almeno  questo  si  desume dopo  aver visto il noioso (per meFrankenstein di  Mary Shelley per la regia di  Kenneth Branagh, film del 1994)

rappresentazione del Golem
Rappresentazione del Golem

Per il Golem, invece,  scendiamo  lungo  la storia fino  ad arrivare alla città di Praga del  XVII secolo e più precisamente recandoci nella parte del  quartiere ebraico (Josefov): qui incontriamo il rabbino Judah  Loew ben Bezalel  altrimenti conosciuto  come rabbi  Löw

Filosofo, cabalista, matematico, talmudista, nato probabilmente in Polonia a Poznan mentre altre fonti dicono  a Worm in Germania, si  trasferì a Praga nel 1588 rimanendovi  fino al 1592 per poi ritornare a Poznan e da qui di nuovo  a Praga fino  alla morte avvenuta nel 1609.

La statua di rabbi Löw a Praga
Opera di Ladislav Saloun (1910)

Lo  spessore culturale di  rabbi  Löw (nonché il fatto  di  essere benestante e quindi indipendente) lo resero un personaggio  di  spicco sia tra la comunità ebraica che il resto  della cittadinanza praghese (senza contare che tale fama era già estesa oltre i  confini  della Boemia) ricevendo  anche l’attenzione di  Rodolfo II d’Asburgo appassionato  di  arti ma, soprattutto, delle scienza occulte.

Dunque è facile a questo punto  pensare che la vita del  rabbino Loew in un certo  qual modo  sia stata mitizzata fino  a legarsi  alla leggenda del  Golem:

Per proteggere gli  ebrei del  ghetto  di  Praga da attacchi  antisemiti, egli  avrebbe creato un essere vivente fatto  d’argilla, utilizzando le sue conoscenze esoteriche legate alla tradizione rabbinica e quindi  al mito  dell’origine di  Adamo impastato  dalla polvere dallo  stesso Elohim (Genesi 2.7)

Istruzioni  per l’uso

Praticamente come si  fabbrica un Golem?

Senza addentrarci in percorsi  talmudici o cabalistici, Angelo  Maria Ripellino  nel suo libro  Praga Magica ci fornisce delle indicazioni ricavata nel  commento di Eleazaro di  Worms allo  Sefer Jezira (il Libro  della Creazione):

Impastare un pupazzo  con terra vergine, e poi girargli intorno  più volte, recitando, in molteplici permutazioni, le lettere del  tetragramma.

Girare quattrocentosessantadue volte. poi, per metterlo in moto, gli si  incide il vocabolo  Emet (Verità) sulla fronte, oppure gli si  introduce in bocca lo schem, il foglietto  con il nome impronunziabile di  Dio

Da Praga magica di Angelo  Maria Ripellino (pag. 158 –  Einaudi  tascabili)

Ma se il Golem  sfugge al nostro  controllo e dà di  matto come si  fa a neutralizzarlo?

Ancora una volta leggiamo  ciò che Ripellino  riporta nel  suo  libro:

 Bisogna girare in senso  contrario, recitando  per maleficio l’alfabeto  al  contrario, ma bisogna fare attenzione al  numero  degli  avvolgimenti, alle combinazioni  delle lettere, alla maniera di incedere.

Un errore in questa procedura sarebbe fatale per chi  vuole disattivare il Golem: perirebbe immediatamente!

Esistono due metodi molto più semplici  e meno pericolosi per disattivare il gigante d’argilla: il primo consiste nel  cancellare la E di  Emet in modo  che rimanga la sola parola met equivalente a morte (però bisogna conoscere molto bene l’ebraico).

Il secondo  metodo  consiste nel togliere lo  schem  dalla sua bocca, ed è  un po’ come togliere la scheda sim dal  nostro  smartphone: più semplice di  così…

Altri  golem

Il golem  di  Praga non è l’unico perché la sua leggenda è comune ovunque vi  sia un riferimento  alla cultura ebraica: si  narra che nel IX secolo  il rabbino Ahron di  Baghdad durante un viaggio  nel meridione d’Italia, precisamente a Benevento, scoprì l’esistenza di un golem, ma,  in questo caso,   non si  trattava di un essere fatto  d’argilla ma di un ragazzo  a cui  era stata donata la vita eterna per mezzo di una formula magica scritta su pergamena.

Altri  Golem sono quelli creati dalle parole degli  autori che si sono cimentati  nell’argomento: uno per tutti, forse anche quello più conosciuto. è Il Golem di Gustav Meyrink  di  cui  troverete l’anteprima alla fine dell’articolo.

Adesso  vi lascio  perché devo  controllare se il mio bambolotto  d’argilla ha preparato  la cena…..


Il Golem di  Gustav Meyrink ….

Un uomo scambia il suo cappello, nel Duomo di Praga, con quello di un certo Athanasius Pernath, e rivive come in un sogno l’esistenza di costui. A questo inizio casuale si aggancia la vicenda del Golem, il robot a cui una parola infilata tra i denti conferisce una vita provvisoria, tanto più violenta perché in lui si concentra una forza che ha solo poche ore per scatenarsi.

Quest’esplosione di energie nel mondo segreto e malato in cui si muovono i personaggi di Gustav Meyrink crea una tensione e insieme un incanto che caricano di nuovi significati l’antica leggenda praghese legata al nome di Rabbi Loew.

Alla prossima! Ciao, ciao…..♥♥

Alda Merini: ho solo queste parole per ricordarla

Beati  coloro che si  baceranno sempre al di là delle labbra,

varcando il confine del piacere, per cibarsi  dei  sogni

Dalla poesia Amore di  Alda Merini 

Alda Merini nella sua Milano

 

 

Dal ponte sul Naviglio  Grande a lei  dedicato, arrivare alla Casa Museo Alda Merini è una piacevole passeggiata serale, ancor più da quando  Milano  ha finalmente smesso  di  essere una città da bere  per diventare (finalmente) una vera metropoli europea.

Ma non è di  Milano  di  cui voglio  scrivere:  a dieci  anni  dalla morte di  Alda Merini sarei ‘portata più  a dovere  dare il mio  contributo di parole  alla sua memoria, fatto  sta che di lei , quando era in vita e  dopo  la morte, si  sono  scritte tante cose (c’è chi  addirittura oggi  la definisce un’icona pop) da non poter aggiungere nulla di nuovo, lasciando il tutto  alla mia naturale ammirazione che ho  nei  suoi  confronti.

Poi, sinceramente, scrivere di una vita molto difficile come la sua, la considererei come un’intrusione nella sua intimità, in poche parole mi  sentirei inadeguata a descriverla questa vita, tanto, come ho  già scritto lo  hanno  fatto altri (e sicuramente meglio di  come potrei  farlo  io).

 

E’  severamente vietato  chiedere interviste alla poetessa per motivi  di  salute. Grazie.

Questo  era l’avviso  che Alda Merini  aveva infisso  sull’uscio  di  casa negli ultimi anni  della sua vita ma, complice un mazzo  di  fiori  e due stecche di  sigarette (lei era un’accanita fumatrice), Loris Mazzetti riuscì egualmente a intervistarla, non però a casa sua in Ripa Ticinese 47 ma in un’ospedale di Milano dove la poetessa era stata ricoverata per un intervento  di  ernia.

Concludo con l’anteprima del libro Sei  fuoco  e amore: Poesie in carne e spirito scritto  da Alda Merini  e  Arnoldo  Mosca Mondadori

Follia, fede, poesia: c’è un filo sottile che lega indissolubilmente le opere di Alda Merini ai momenti più dolorosi e significativi della sua esistenza, scandita in modo sempre autentico e intenso dalla malattia psichica e insieme da un anelito instancabile verso l’infinito, verso Dio.

Tra le tante persone che hanno attraversato la vita di Alda Merini, una in particolare ha saputo cogliere questa commistione di carnalità e spiritualità: Enzo Gabrici, lo psichiatra che la poetessa chiamava il «Dottor G» e che, prima e meglio di ogni altro, capì che «la creazione attraverso l’arte poetica è stata il suo balsamo… perché questa l’avvicinava al grande spirito creatore».

In questo libro Arnoldo Mosca Mondadori, che per più di dieci anni le è stato vicino come amico e collaboratore, trascrivendo centinaia di versi e proponendole temi su cui riflettere, ha raccolto alcune delle poesie che meglio esprimono la fame di assoluto di Alda Merini, la tensione religiosa presente nei suoi versi.

In un’ampia introduzione racconta inoltre alcuni episodi della sua vita, per far sì che anche i lettori possano «sentire un po’ il profumo di casa sua, conoscerla da vicino, e soprattutto avvertire le armonie della sua anima fatta di musica, quella musica che lei emanava come manna e donava intorno a sé».

Un nuovo filo da seguire per giungere al segreto di una delle voci poetiche più belle, profonde e profetiche dell’ultimo secolo.

Alla prossima! Ciao, ciao…♥♥